Direto de Paris, hoje em “Chico Vartulli Convida” um bate-papo com o artista plástico Nikko Kali
Reconhecido internacionalmente, recebeu a Medalha de Ouro da Academia Francesa em 2009 e teve uma de suas obras comercializada por 100 mil euros. Sua arte reúne referências culturais de diferentes partes do mundo, traduzindo natureza, sensibilidade e experimentação.
Foram três décadas de pintura, de experiências, de encontros, de dúvidas e, sobretudo, de muita pesquisa. Ao longo desse percurso, fui construindo uma linguagem própria, muito ligada à cor, à textura e à matéria. Os pigmentos naturais, as pedras e os elementos da natureza passaram a fazer parte do meu trabalho e continuam despertando a minha curiosidade.
A abstração me deu liberdade para trabalhar não apenas com aquilo que vejo, mas também com aquilo que sinto. Gosto de criar obras que tenham presença, que transmitam uma emoção e que permitam ao olhar de cada pessoa encontrar a sua própria interpretação.
Com o tempo, também aprendi a respeitar o ritmo de cada obra. Algumas pinturas nascem de forma quase imediata; outras precisam de tempo, de silêncio, de camadas e de transformação.
Depois de 30 anos, sinto que construí uma trajetória com liberdade, curiosidade e dedicação. Tenho orgulho do caminho que percorri, das experiências que vivi e de tudo o que aprendi, mas não vejo esses 30 anos como um ponto de chegada. Pelo contrário, sinto que são uma base para continuar explorando, experimentando e descobrindo novas possibilidades na pintura.
Para mim, cada nova tela ainda traz a mesma emoção de quando comecei: a possibilidade de descobrir alguma coisa que eu ainda não conheço.
JP – Quando despertou o seu interesse pelas artes ?
Meu interesse pelas artes plásticas começou muito cedo, ainda na infância. Sempre tive uma relação muito forte com as cores, as formas e as matérias. Eu gostava de observar, tocar, experimentar e transformar aquilo que encontrava ao meu redor.
Com o tempo, percebi que a pintura me permitia expressar coisas que eu não conseguia dizer com palavras. A cor passou a ser uma linguagem, e a matéria, uma forma de deixar uma marca, uma sensação.
Mais tarde, esse interesse se tornou um caminho profissional e, principalmente, uma pesquisa pessoal. Passei a trabalhar cada vez mais com pigmentos naturais, texturas e diferentes matérias, buscando não apenas uma imagem, mas uma presença na obra.
Acredito que foi assim que me tornei artista: pouco a pouco, através da curiosidade, da experimentação e da necessidade de criar. E, depois de tantos anos, continuo tendo a mesma sensação diante de uma tela em branco: a vontade de descobrir o que pode nascer dali.
JP – Quais são as características do seu “fazer artístico”?
Meu fazer artístico nasce da cor, da matéria e, sobretudo, da vontade de experimentar. Não começo uma obra pensando em reproduzir uma imagem. Começo procurando descobrir o que pode acontecer.
A cor é o ponto de partida mais importante da minha pintura. Ela tem força, temperatura, profundidade e emoção. Gosto de trabalhar com pigmentos naturais, pedras e diferentes elementos que possam trazer à superfície uma presença própria. O lápis-lazúli, por exemplo, ocupa um lugar muito especial na minha pesquisa pela intensidade e pela profundidade do seu azul.
Trabalho por camadas, construindo e desconstruindo a pintura. Acrescento, retiro, cubro, raspo, deixo aparecer e desaparecer. Muitas vezes, uma marca que parecia um acidente acaba se tornando essencial para a obra.
Não tenho interesse em controlar tudo. Existe uma parte da pintura que pertence ao gesto, ao tempo e ao acaso. Eu inicio o trabalho, mas aceito que a própria obra me conduza por caminhos inesperados.
Depois de mais de 30 anos de carreira, desenvolvi uma maneira muito particular de trabalhar. Minha pintura é abstrata, mas não parte de uma fórmula. Ela nasce do encontro entre cor, textura, pigmento, gesto e liberdade.
A natureza também está muito presente no meu trabalho, não como tema, mas como fonte de cor e de matéria. É uma presença que atravessa minha pesquisa sem precisar ser representada.
Talvez a característica mais importante do meu fazer artístico seja justamente essa: eu não quero dizer ao espectador o que ele deve ver. Quero criar uma obra que tenha força suficiente para provocar alguma coisa nele.
Entro no atelier sem saber exatamente onde a pintura vai terminar.
Paris faz parte da minha vida de uma maneira muito profunda. Vivo aqui há mais de 40 anos e, com o passar do tempo, deixei de sentir que estava apenas vivendo em Paris. De alguma forma, Paris também passou a viver dentro de mim.
Quando cheguei, trouxe comigo o Brasil, minhas lembranças, minhas referências e tudo aquilo que eu ainda estava descobrindo como artista. Eu era jovem e tinha muitos sonhos, mas também muitas dúvidas. Foi aqui que encontrei espaço para crescer, experimentar e, pouco a pouco, encontrar a minha própria voz.
Tenho uma gratidão muito grande pela França. Foi um país que me acolheu e me deu a possibilidade de construir uma vida através da arte. Aqui tive a oportunidade de expor, conhecer artistas, criar amizades e encontrar pessoas que acreditaram no meu trabalho. Cícero Dias, meu mentor, foi uma dessas pessoas e ocupa um lugar muito especial na minha memória e na minha formação.
Paris também me ensinou a olhar. Caminhar pela cidade, entrar em um museu, descobrir uma exposição, observar uma fachada, uma luz ou simplesmente uma rua antiga são experiências que, muitas vezes, acabam voltando para o atelier de uma maneira inesperada.
Ao longo desses mais de 40 anos, vivi aqui momentos muito diferentes: alegrias, dificuldades, descobertas, períodos de silêncio e muitas mudanças. Minha vida mudou, minha pintura mudou, mas Paris continuou sendo uma presença constante.
O Brasil continua sendo minha raiz, aquilo que carrego comigo e que faz parte da minha sensibilidade. Paris foi o lugar onde pude desenvolver essa herança e transformá-la em uma linguagem que se tornou minha.
Hoje, quando penso nesses mais de 40 anos, sinto que não escolhi apenas uma cidade para viver. Construí uma história aqui.
Paris viu nascer muitas das minhas obras, acompanhou minhas dúvidas e minhas conquistas e esteve presente em grande parte da minha vida.
JP – Você poderia explicar o método que você utiliza para a criação das suas tintas? Justifique.
Minha relação com a matéria começou muito antes da pintura. Tenho mestrado em gemologia e os anos vividos dentro da alta joalheria francesa me ensinaram a olhar para uma pedra de outra maneira. Aprendi a perceber a cor que existe dentro dela, a força da luz, suas transparências, suas imperfeições e aquilo que a torna única.
Esse olhar acabou me acompanhando até o atelier.
Há cerca de 30 anos, desenvolvo uma pesquisa muito pessoal com pigmentos naturais. Procuro minerais, terras, pedras e elementos da natureza não apenas pelas cores que apresentam, mas pela presença que carregam.
Muitas vezes, não sei exatamente qual cor estou procurando. É a própria matéria que me conduz.
Gosto de transformar esses elementos, de triturá-los, misturá-los, deixá-los repousar, experimentar suas diferentes possibilidades. A preparação do pigmento já é, para mim, um momento de criação. É ali que começo a descobrir o que aquela matéria pode se tornar.
O que me fascina é que uma mesma pedra ou um mesmo mineral nunca se revela completamente da mesma maneira. A luz muda, a espessura muda, a superfície muda e a cor se transforma.
Talvez seja essa uma das heranças mais fortes da gemologia no meu trabalho: aprendi a respeitar aquilo que a matéria já é antes de tentar transformá-la.
Na pintura, procuro fazer o mesmo.
Não quero dominar completamente o pigmento. Quero entrar em diálogo com ele. Às vezes, ele responde exatamente ao que imaginei. Outras vezes, cria alguma coisa inesperada. Uma transparência, uma sedimentação, uma textura ou uma pequena alteração pode mudar completamente o caminho de uma obra.
É justamente nesses momentos que encontro algo que me interessa.
Minha pintura nasce desse encontro entre controle e liberdade, entre aquilo que procuro e aquilo que descubro.
Depois de tantos anos trabalhando com pigmentos naturais, compreendi que minha pesquisa não é simplesmente sobre a cor. É sobre revelar a identidade de cada matéria e fazê-la participar da construção da obra.
A tinta que preparo não é um instrumento que uso para pintar.
Ela é parte da obra.
É parte da minha linguagem.
E, sobretudo, é parte daquilo que torna meu trabalho reconhecível.
Hoje, quando olho para minha pintura, quero que a cor tenha presença, que a matéria tenha voz e que a obra carregue algo que não possa ser reproduzido por nenhuma outra.
Não procuro apenas criar uma cor.
JP – Como você concilia a sua formação como piloto de avião com a de artista plástico?
Nunca senti que o piloto e o artista fossem duas pessoas diferentes dentro de mim. As duas coisas fazem parte da minha história e, de maneiras muito diferentes, ajudaram a formar o meu olhar.
A aviação entrou na minha vida em uma época muito importante. Voar me ensinou concentração, precisão e, principalmente, a observar. No cockpit, aprendi a olhar o céu, a luz, o horizonte, as nuvens e as mudanças quase imperceptíveis que acontecem durante um voo.
Mas o que mais ficou em mim foi essa relação com o espaço e com a luz.
Ver o mundo de cima é uma experiência difícil de explicar. Existem momentos em que o céu parece uma pintura em constante transformação. A luz muda, as nuvens criam volumes, o horizonte desaparece e reaparece. Muitas dessas imagens ficaram guardadas na minha memória e, mesmo sem representá-las diretamente, acredito que elas aparecem na minha pintura através das cores, das transparências e das profundidades.
No avião, eu precisava confiar nos instrumentos e manter o controle. No atelier, a relação é outra. Ali, eu posso deixar a pintura escapar um pouco do meu controle.
Eu começo uma obra com uma intenção, mas nunca sei exatamente onde ela vai terminar. Uma cor pode mudar completamente outra, um pigmento pode reagir de uma maneira inesperada, uma textura pode abrir um caminho novo. E eu gosto de seguir essas descobertas.
Talvez seja essa a maior diferença entre os dois mundos: como piloto, eu precisava conduzir o voo; como artista, preciso também saber quando deixar a obra me conduzir.
A precisão continua comigo. O olhar também. Mas, diante da tela, existe uma liberdade que não encontro em nenhum outro lugar.
Hoje, quando entro no atelier, às vezes tenho a sensação de que continuo olhando para o horizonte, só que de outra maneira. O céu que conheci como piloto ficou dentro de mim e reaparece na pintura transformado em cor, luz, espaço e movimento.
A aviação me deu uma maneira muito particular de olhar o mundo.
A pintura me deu a liberdade de transformar esse olhar.
Talvez seja por isso que, para mim, voar e pintar nunca foram caminhos opostos. Um me ensinou a olhar para o mundo de cima. O outro me ensinou a colocá-lo sobre uma tela.
JP – Como você construiu a sua carreira internacional?
Sou paulistano e essa origem continua muito presente em mim. É uma relação com a cor, com a natureza, com a luz e com uma certa liberdade que reconheço no meu jeito de criar. Mesmo depois de tantos anos fora, isso nunca deixou de fazer parte de quem sou.
Paris foi uma escolha que acabou se tornando uma parte profunda da minha vida. Vivo na França há mais de 40 anos, e foi aqui que amadureci como artista, encontrei pessoas importantes para o meu caminho e tive a liberdade de desenvolver uma linguagem própria.
Entre essas pessoas, Cícero Dias ocupa um lugar muito especial. Mais do que um grande artista brasileiro que conheci em Paris, ele foi meu mentor e uma presença importante na minha formação.
O que recebi de Cícero não foi uma fórmula de pintura. Foi algo muito mais profundo: a confiança de que um artista precisa encontrar a própria voz e ter coragem de defendê-la.
Ele me ensinou a olhar para a arte com liberdade. A não ter medo da cor, a não tentar explicar demais uma obra e, sobretudo, a compreender que a identidade de um artista não se constrói procurando parecer com alguém, mas encontrando aquilo que existe dentro de si.
Essa relação também foi muito importante para minha compreensão do Brasil. Estávamos em Paris, cercados por uma tradição artística europeia extraordinária, mas Cícero nunca perdeu a sua identidade. Ele carregava o Brasil dentro dele sem precisar transformá-lo em uma representação literal.
Isso me marcou profundamente.
Talvez por isso eu também nunca tenha sentido necessidade de pintar o Brasil de maneira evidente. A minha origem aparece na maneira como percebo a cor, a luz, a natureza e a matéria. É uma presença mais íntima, que não precisa ser explicada.
Cícero também me mostrou que a pintura pode ser livre sem perder profundidade. Que o gesto, a imaginação e a emoção podem coexistir com uma pesquisa rigorosa.
Com o tempo, fui entendendo essas lições à minha maneira. Minha pintura tomou outros caminhos, ligados aos pigmentos naturais, às pedras, às texturas e à matéria. Mas existe algo daquela liberdade que permaneceu comigo.
Depois vieram outros lugares, outras paisagens e outras maneiras de olhar. A Índia me marcou pela intensidade das cores. O Oriente Médio, pela luz e pelos espaços do deserto. O Vietnã e o Marrocos também deixaram suas marcas, cada um à sua maneira. Não são imagens que procuro reproduzir. São impressões que ficaram em mim.
Minha formação em gemologia e minha experiência com a alta joalheria francesa também fizeram parte dessa construção. Aprendi a olhar para uma pedra durante muito tempo antes de pensar no que fazer com ela. A observar sua cor, sua transparência, sua densidade, sua relação com a luz. Esse olhar acabou entrando naturalmente na minha pintura.
Com o tempo, tudo foi se misturando: o Brasil que trago comigo, Paris, Cícero Dias, as viagens, as pedras, os pigmentos, os encontros e aquilo que vivi.
Hoje, não vejo minha carreira como uma coleção de lugares por onde passei. Vejo como uma única história, construída aos poucos, com muitas camadas.
E talvez uma das maiores lições que Cícero me deixou tenha sido justamente essa: não procurar uma identidade artística, mas ter coragem de deixar que ela apareça.
Não pinto os países onde vivi. Pinto o que ficou em mim depois de tê-los vivido.
Minha obra atravessou fronteiras, mas nunca perdeu sua origem. Ela foi encontrando, ao longo do caminho, uma voz que é somente minha.
JP – Quais são seus projetos futuros?
Continuo trabalhando no atelier e aprofundando minha pesquisa sobre a cor, os pigmentos naturais, as texturas e a matéria. Algumas obras já estão em desenvolvimento e outras começam a apontar para novos caminhos.
Neste momento, também estou pensando em projetos de maior escala e em novas formas de apresentar meu trabalho, aproximando a pintura da arquitetura e de diferentes espaços contemporâneos.
Depois de tantos anos entre o Brasil, a França e diferentes culturas, sinto que minha obra está entrando em uma nova etapa, mais aberta ao diálogo internacional. Tenho interesse em levar meu trabalho a novos lugares, novas instituições e novos públicos, criando encontros que ultrapassem as fronteiras da pintura.
Mas quero que essa expansão aconteça naturalmente, sem perder aquilo que é essencial na minha linguagem: a cor, a matéria e a ideia.
